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Coletiva Airez 2016

“A felicidade não entra em portas trancadas” … e nem em “janelas”

A Galeria Airez, capitaneada por Guilherme Zawa, realizou sua exposição coletiva com participantes de todo o Brasil neste segundo semestre de 2016. A R.Nott Magazine, deliciosamente bisbilhoteira, disparou perguntas a todos eles. O que se vê abaixo é uma seleção de trabalhos e respostas. Com os maiores cumprimentos aos participantes, que venham muitas mais!

Thaieny Dias – Desfigura obscura 13
Thaieny Dias - Desfigura Obscura 13

Como você situa seu trabalho em relação à arte contemporânea e aos antigos, e quais são as suas influências e referências.

 

Meu trabalho se situa no diálogo entre meios, nos “limites da existência corporal na imagem” onde estabeleço um diálogo entre a pintura e a fotografia, trabalhando as duas concomitantemente em constante relação, apesar do trabalho se concretizar principalmente pela pintura, a fotografia certamente está incutida no processo e nos entraves.

 

São pesquisas de transformação, de como um corpo – mesmo no contexto da pintura ou até fotografia – pode não corresponder à ideia pré-concebida que temos de rosto. Na série existem distorções, ruídos que não permitem uma identificação imediata, é uma obstrução da identidade. Eu coloco poucos recursos para a identificação e o espectador completa com sua interpretação impulsionada por certo antropomorfismo. As pessoas que me conhecem costumam me perguntar se é um autorretrato, e eu brinco que é um des-autorretrato.

Enquanto o autorretrato congela, é como se fosse um marco do ser e estar, o des-autorretrato vai num caminho contrário, não congela, não identifica… ele retira referencias, ele se torna atemporal. Quando eu fiz a pesquisa, me dei conta que qualquer fotografia é um compacto de tempo, o tempo e o movimento agem na imagem produzindo a distorção, mas a imagem desfigurada se torna atemporal quando não se tem referências identificáveis nela.

 

Algumas referências teóricas utilizadas na pesquisa foram Roland Barthes, Gerhard Richter, Henri Bergson, Philippe Dubois, entre outros. Estudei o cromatismo na pintura de Cézanne, posteriormente admitindo outras referências como o próprio Gerhard Richter, que tem um trabalho de pintura que dialoga com a fotografia, Gerda Lepke, Max Uhlig, Goya e etc. Em meu trabalho novo em fase de desenvolvimento a hibridez dos meios fica mais evidente quando os próprios materiais e a existência dessa peça passam a habitar na hibridez, mesclando pintura, escultura e a colagem. Abordando o corpo através da ausência do próprio em situações de animismo. A minha produção permeia os limites, a coexistência da realidade com o irreal é um motivo recorrente, quando a distorção e a reconfiguração do real são amplamente abordadas.

Manuel Manso e Welket Bungué – Welket in Rio #28

Qual é o sentido da figura humana na sua fotografia?

 

A figura humana é determinante nos projetos fotográficos que tenho, seja numa vertente artística, comercial, de reportagem, vida quotidiana, ou até mesmo em instantâneos. Não quer dizer que não aprecie fotografia da natureza, paisagística, ou arquitectura, mas tenho preferência que a figura humana esteja sempre presente. Adoro pessoas, e adoro retratá-las! A figura humana é sinônimo de vida, de sentimento e emoção. Não vejo a vida sem ela!

Manuel Manso e Welket Bungué - Welket in Rio #28
Ju Brungari – Janelas
Ju Brungari - Janelas

Por que a redundância entre título e tema?

 

Quando tirei a foto em questão, o que vi inicialmente foram somente “janelas” agrupadas de uma forma simétrica, como uma escultura plana.

 

Ao analisá-la consegui enxergar a beleza de seus detalhes e suas cores. Então, entre “janelas” fechadas e outras abertas, recorreu-me a seguinte frase do Chico Xavier: “A felicidade não entra em portas trancadas” … e nem em “janelas”. Portanto, “Janelas” envolve mais do que a simples imagem, mas também o simbolismo das oportunidades.

 

Como você situa seu trabalho em relação à arte contemporânea e aos antigos, e quais são as suas influências e referências.

 

Acredito que somos fruto do nosso tempo e que de alguma forma o tempo e o espaço se cruzam, assim as análises e sentimentos acabam se reproduzindo. Nós somos influenciados a todo tempo quando existe uma semelhança de pensamentos. Sendo assim minhas influências são de obras as quais consigo sentir e apreciar, indiferente de qual artista ou época seja.

Patrícia Azoni – Movimento Geométrico

Comente a relação entre a pintura e relevo (bidimensional e tridimensional) em seu trabalho.

 

A influência da minha formação em Arquitetura tem reflexo direto no meu trabalho de Artes, e ela foi traduzida quando provoquei volumes reais em meus desenhos bidimensionais.
Os estudos em 2D nascem em linhas digitais precisas, e ali eu defino as cores das criações, nos esboços em preto e branco, que por vezes recebem cores.
O Esboço em si é minha arte, primária, uma pintura digital que se transformará em volumes, pois busco ir além da composição em desenho e pintura, eu me encontro entre a pintura e a escultura.
A luz é minha aliada para criar sombras com os relevos, ela provoca movimentos, novas perspectivas e assim me aproximo da Arquitetura.

Patrícia Azoni - Movimento Geométrico

Sabendo que a monocromia foi usada e explorada pelos cubistas, inclusive pelos seus deuses: Picasso e Braque, quais são as reflexões que levaram você a se utilizar disso – e por que o suporte é madeira (amplamente usada pelos alemães no século XIV)?

 

Braque e Picasso trouxeram com o cubismo o efeito de relevo em suas pinturas, e a geometrização das formas traduziam uma sensação de escultura com a tendência para a monocromia, ou uma limitada gama de cores.
O cubismo me inspira muito, mas eu busco sempre o “menos”, o “limpo” em uma tendência ao minimalismo. Eu sempre inicio os estudos em preto e branco. Eu me sinto à vontade com o preto para riscar as linhas, ele é meu aliado para demarcar o limite de cada forma geométrica, de onde nascerão as peças volumétricas, geralmente na cor branca. Quase não uso a cor para criar, ela só aparece se eu sentir que devo ir além.
O suporte que utilizo hoje é madeira, mas já explorei outros materiais antes, como papéis, acetatos, massas acrílicas, vidro. Busco explorar materiais que já fazem parte do meu universo de trabalho na Arquitetura. E na madeira eu encontrei a precisão que eu buscava para um acabamento com a mesma linearidade que o desenho me permite.
A madeira foi utilizada pelos alemães e italianos, de formas não convergentes, uma mais racional outra mais romântica, porém com uma relação direta com a arquitetura e nos dias atuais nas escolas os alemães ainda trabalham a madeira com as crianças na confecção de brinquedos.
Gosto também de pensar em minha arte como um brinquedo, mas isto é para um tema a ser explorado ainda…
Eu utilizo placas de fibras de madeira e suas variadas espessuras, muito utilizadas na produção de marcenaria, este material chegou ao Brasil em 1994, é muito recente. Ele me permitiu, assim como a inovação tecnológica do recorte a laser, trazer a precisão para os limites das peças que eu tanto buscava, o resultado do painel volumétrico ser um reflexo direto do desenho 2D que criei.
Eu me realizo ao prever o resultado do que crio, o planejamento me permite testes e ajustes se necessários, eu projeto a arte e eu a edifico. Minha arte é racional. A inspiração vem de alguns dos principais mestres da Arquitetura racionalista: Le Corbusier, Mies Van de Rohe, e Walter Gropius, e também da “Artetetura” de Oscar Niemeyer.

Julie Fank – Cemitério de azulejos
Julie Fank - Cemitério de Azulejos

Como você situa seu trabalho em relação à arte contemporânea e aos antigos, e quais são as suas influências e referências.

 

Tenho vínculos mal resolvidos com as minhas referências das artes visuais, acredito que a visualidade que está em qualquer coisa que produzo passa antes por uma memória frágil que é uma reconstrução plástica de referências de várias outras linguagens, principalmente, a literária, no meu caso. Também é complicado pensar em termos de influência sem recuperar um pouco do que vivi dentro de casa. Minha mãe é artista plástica (e pintava porcelana e azulejos quando eu era criança) e um de meus pintores prediletos é o Kandinsky, o que não significa que eu consiga aproximar meu trabalho de algum dos dois, ainda que tenha sido profundamente tocada pela produção deles – um por idolatria, o outro por contágio.

Consigo enxergar pontos de virada no contato com o meu processo criativo, autores e artistas que me fizeram mudar a chave da percepção para algumas coisas. Em 2009, passei um ano estudando o filme Dogville, do Lars Von Trier, e sua lógica de criação e subversão do tempo e do espaço. Logo, depois, no mestrado em Literatura Comparada, tive a oportunidade de me debruçar sobre os livros-almanaque do Julio Cortázar e sua relação com as artes visuais e a fotografia. Em 2012, tive contato com alguns artistas de Buenos Aires que têm feito umas coisas legais por lá, Juan Reos, Luciana Malfatti, Itamar Hartavi, Mariana Sarraute, Ramiro Oller, visitei alguns salões de arte de uma cena jovem local muito empreendedora. Na época, como eu estudava o Cortázar, fez muito sentido pensar o livro como uma extensão visual de um pensamento literário – acho que neste trabalho, como não estou com os pés inteiros apoiados no chão da literatura, é um pouco artefato dessa ideia. Recentemente, descobri o trabalho da Sophie Calle, do Nuno Ramos, no movimento holandês The Stijl. Este ano, consegui finalmente ir para Inhotim, comecei a ter um contato muito próximo do pessoal da cena colagista daqui de Curitiba – tudo isso vira uma grande colagem no nosso repertório visual e é até muito mais admiração citá-los do que efetivamente dizer que eles fazem parte do que é o Cemitério de Azulejos. Para fazer uma árvore genealógica, eu precisaria de uma memória melhor.

Mathias Goeritz, esse admirável mexicano, confidenciou a Michael Ragon a seguinte afirmação: “não há mais artistas, mas há arte. Já não são mais os artistas que fazem a arte progredir, mas sim críticos. Se me perguntarem quais são os personagens mais importantes na arte atual, viria imediatamente ao meu espírito o nome de alguns críticos”. Dado o exposto, pergunto: O que significa para você o fato de o artista ter que submeter-se a editais, galerias e etc., para ter exposta a sua obra?

 

Eu particularmente gosto deste jogo. Acredito que não sejamos capazes de nos distanciarmos suficientemente de nossa produção para inseri-la dentro de um recorte. Se a gente entender que a crítica não é uma validação, mas uma primeira leitura atenta de um processo muito mais profundo do que a gente é capaz de empreender, é legal contar com esse discurso, desde que a gente entenda que é um discurso e, como tal, pode ser opressivo e viciado. Saindo disso e enxergando a quantidade de editais abertos e galerias horizontais idealizados por coletivos e por gente fora do circuito crítico canônico, não há como não ver com bons olhos essa mudança de eixo. Eu tô começando assim, por exemplo. E é legal porque isso ressignifica até mesmo o conceito de margem na arte. Se a margem começa a se igualar ao centro – falta muito para, ainda que, oxalá, está num movimento propício -, os critérios começam a ser mais humanos e menos nepotistas. A crítica não vai deixar de existir, mas ela já está descendo do salto – a reinvenção do formato ainda leva um tempo, só que é mais fácil do que carregar por aí uma plaquinha dizendo “Sou artista.”. Mesmo quando a gente tenta sair desses formatos, o que a gente faz é uma paródia deles. Em 2012, em Buenos Aires, visitei algo como uma “muestra de los rechazados”, organizada por um artista de lá chamado Alejandro Moreyra. Achei genial, ainda que uma cópia em formato. Esses desarranjos ainda respondem a uma outra questão de organização social – não é aí que está o problema, ele reside – e desculpe o disco riscado – numa educação para e pela arte que ainda é restrita a quem convive com um repertório erudito.

 

Como se dá o fenômeno da Literatura dentro desse trabalho?

 

A arte aqui é uma tentativa de, um querer ser, dilatador de pupila para uma provocação sobre a literatura hoje: fragmentária, ensaística, multiplataforma, híbrida e despedaçada – o que sempre foi na verdade, desde os gregos. A literatura não é tangencial, mas corpo do processo artístico. Sem a literatura, eu não existo aqui e este trabalho não existe. Contraditoriamente, entretanto (veja que palavras bonitas eu sei usar!), os textos são diferentes da primeira edição do trabalho “performada” ou “publicada” em agosto de 2015, já que essa é uma segunda edição, ou seja, o conteúdo é itinerante e importa menos do que a forma nesta primeira fase. Digo isso porque não há um critério de coletânea e organização desses trechos e minicontos aqui. O procedimento poético está na forma. E eu continuo não tendo um livro publicado. Isso me faz menos escritora? Aqui, eu quero falar sobre o suporte, sobre o azulejo, sobre o caco, sobre o pedaço, sobre a letra pequena, sobre desenhar o texto no material cerâmico. Há uma segunda fase do trabalho prevista para o ano que vem que bagunça a noção de autoria dessas frases – sobre as quais não tenho mais controle. Andei presenteando artistas e escritores amigos e pedindo para que eles recontextualizem os azulejos em fotografias, as frases dali em textos de autoria sua e em outras formas possíveis artisticamente. Pessoas que não conheço também levaram pedaços durante os dois happenings que aconteceram com a instalação completa, acompanhada de um vídeo do processo de quebra dos azulejos e aberta para manuseio. Todos foram convidados a escrever alguma coisa com a frase que levaram. Não sei se vou receber algo de volta, mas, do que receber, a ideia é juntar as produções em algum suporte – que pode até ser um livro, quem sabe. Eu só vou ser curadora e editora, a escrita é dos outros. E, agora, inclusive os cacos. Um amigo disse que o Cemitério de Azulejos lembra aquela música da Adriana Calcanhoto que diz “Armar um tabuleiro de palavras-souvenirs./ Apanhe e leve algumas palavras como souvenirs./ Faça você mesmo seu microtabuleiro enquanto jogo linguístico.” e se chama Remix Século XXI. Pode ser um pouco o que eu quis dizer.

 

No que os seus escritos em azulejos diferem, ou se aproximam, de pichações urbanas de versos poéticos?

 

A tua pergunta já sugere uma aproximação. rs! A diferença talvez seja o processo e a codificação. Se na rua, o pixo tem que ser rápido, certeiro e cauteloso ao mesmo tempo, porque é proibido, o meu processo é mais lento e artesanal, o que não significa que é mais confortável. Ele também é efêmero, também é irrepetível e também explora uma descontinuidade sintática das plataformas de texto canônicas. A gente tá vivendo uma renovação experimental da linguagem – seja na internet, seja nas ruas: é um momento peculiar este em que precisamos usar os muros, negar a autoria e coletivizar a mensagem, ou seja, é um grito à anulação da nossa voz. É um grito à literatura silenciosa, lida dentro de casa, antes de dormir respondido com gêneros urbanos e subversivos. Os slams que voltaram a acontecer e estão sendo apropriados pelo centro são uma prova disso. Eu me acho menos corajosa do que alguém que se dispõe a escrever nos muros e mais tímida do que quem recita seus versos instantaneamente e para grandes públicos – talvez por isso o azulejo. Ao mesmo tempo, sinto que todas essas possibilidades de uso da linguagem poética em outras plataformas, do instagram ao espaço da rua, são ressignificações ao universo limitante da página quadrangular do livro e às formas coaguladas do mercado editorial que ainda não dão conta de um novo comportamento de leitura. E se isso pretende repensar o gênero livro, repensar a autoria, as plataformas de escrita, penso que estamos muito próximos. No quesito procedimento poético, acredito que haja outro DNA aí, mas há um diálogo quando a gente se propõe à lógica do in media res. Nós não somos lineares. Nem nunca fomos. E quando a gente se reconhece em pedaços, fica mais fácil juntar os cacos e mapear um roteiro de leitura.

Site oficial da galeria: https://airez.art.br/

contato@rnottmagazine.com

Ei, artista! Você mesmo! Estamos procurando gente nova! Esse espaço é destinado a divulgar o trabalho dos novos nomes das artes, seja em música, artes visuais, literatura, o que for. Se você tem uma produção para mostrar ao mundo e quer estrelar uma de nossas edições, entre em contato conosco em contato@rnottmagazine.com

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